Divadelní kostým

Západní divadelní tradice má své základy v řeckých oslavách, které se konaly v šestém století př. N. L. Na počest Dionýsa, boha vína a veselí. Hýření (tance, písně a sborové reakce) se vyvinulo v mluvené drama v roce 535 př. N. L., Kdy dramatik Thespis představil herce, který by reagoval na vůdce sboru. Výsledkem byl dialog.

Další dramatik Aischylos (525–456 př. N. L.) Se zasloužil o založení tradičního kostýmu pro řeckou tragédii. Skládala se z dlouhé tuniky s rukávy se vzorem, stylizované masky pro okamžité rozpoznání postavy a dvojice bot s vysokou podrážkou zvaných corthunae. Všechny tyto oděvy byly výhradně pro divadelní použití. Při každodenním nošení nelze jednat jako hrdina.

Herci v řeckých komediích také nosili masky, které označovaly, které postavy ztvárnily. Navíc často přidávali přehnané části těla, polstrované spodní části nebo žaludky a nadměrné falusy, aby zesílily komický efekt. Krátké tuniky, podobné těm, které nosí obyčejní občané, byly považovány za vhodné pro komedii.

Ačkoli Římané přidali své vlastní zvraty, kostýmní konvence zavedené Řeky zůstaly v podstatě stejné až do pádu římské říše, kdy západní divadlo na osm set let prakticky zmizelo.

Středověk a renesance

Když se divadlo znovu objevilo, stalo se tak ironicky v kontextu církve. Křesťanská církev byla zapřísáhlým nepřítelem dramatu (vnímala ji jako neskromnou a podobnou uctívání ďábla). Jelikož však bohoslužby byly prováděny v latině, kterým stále méně farníků rozumělo, museli kněží vymyslet způsob, jak liturgii zdramatizovat.

• Broadwayské kostýmy
• Návrhář kostýmů
• Historie divadelního líčení

Od pátého století n. L. Se tajemné hry, dramatizace událostí v písmech a zázračné hry, které líčily životy svatých, stále častěji odehrály jak uvnitř kostela, tak na půdě kostela. Jak se stávali komplikovanějšími, přestěhovali se na náměstí.

Kostýmy v raných náboženských dramatech byly církevní oděvy. Jak se skripty staly světštějšími a často kromě duchovenstva zahrnovaly i měšťany, laičtí umělci převzali odpovědnost za jakékoli kousky kostýmů, které církev nevlastnila. Současné náboženské umění poskytovalo inspiraci pro postavy jako Daniel, Herodes, Panna Maria a nejrůznější ďáblové.

Bylo to během renesance, kdy byly produkční prvky, jak scenérie, tak kostým, ještě důležitější než text. Po celé Evropě šlechta pořádala četné dvorní masky a soutěže, aby pobavila své hosty. Kostýmy zobrazovaly bohy, zvířata a mytologická stvoření, stejně jako emoce jako naděje a radost. Návrháři těchto slavností byli Leonardo da Vinci a Inigo Jones.

Commedia Dell'Arte

Commedia dell'arte, forma populární pouliční komedie, se objevila v Itálii během šestnáctého století. Skupiny potulných herců uváděly po celé Itálii a Evropě převážně improvizované hry.

Stejně jako řecké komedie (ke kterým se komedie pravděpodobně váže), i herci komedie vylíčili akciové postavy identifikovatelné podle masek a tradičních kostýmů. Pantaloon, archetypální uhýbající stařík, byl často oblečen do širokých kalhot, které nyní nesou jeho jméno. Lstivá služebnice Brighella měla kabát vodorovných zelených pruhů, předchůdce britského livreje z devatenáctého století. Mezi další komické postavy patří Arlecchino nebo Harlekýn, Il Dottore, pedantský akademik vždy oblečený v černém, a Il Capitano, zbabělý Španěl. Vážné postavy v komedii, dvě dvojice milenek a služebná, měly na sobě moderní oblečení.

Díla Williama Shakespeara, Jean-Baptiste Moliere a Jean-Antoine Watteaua dokazují vliv této důležité formy populárního umění.

Šestnáctý přes osmnácté století

Kostýmy pro Shakespearovy hry byly směsicí různých období, která diváci přijali jako standardní konvenci. Většina částí byla provedena v moderním oděvu, který buď vlastnil herec (všichni byli muži), nebo jej poskytoval patron divadla. Někdy může voják naznačovat helma nebo náprsník. Víly a víly mohou nosit klasické závěsy.

Stejný princip platí pro kostým v sedmnáctém a osmnáctém století. Většina herců a zejména hereček se oblékala co nejmódněji. Turban naznačoval východní charakter. Opeřená helma znamenala vojáka. Účinkující poskytli svůj vlastní šatník s výjimkou speciálních předmětů poskytovaných divadlem.

Devatenácté a počátku dvacátého století

William Terriss jako král Jindřich VIII. 1895

V období mezi 70. a 70. lety 19. století se v kostýmech navrhla cesta k historické přesnosti. Jak se cestování stalo relativně jednodušším, zprávy, písemné i vizuální, zvyšovaly znalosti lidí o jiných kulturách. Mezinárodní výstavy, jako například výstava Crystal Palace v Londýně v roce 1851, přinesly veřejnosti hmotnou kulturu exotických míst. Chtěli, aby se to, co viděli a četli, odrazilo na jevišti.

V německém knížectví Saxe-Meiningen založil vévoda George II. Svou vlastní divadelní společnost nazvanou Meiningers. Vévoda použil všechny dostupné zdroje k vytvoření autentických kostýmů pro své herce.

Meiningerové cestovali po kontinentu široce a styl jejich inscenací výrazně ovlivnil takové bašty realismu z devatenáctého století, jako je Théâtre Libre v Paříži a Moskevské umělecké divadlo v Rusku. Ve Spojených státech odráží produkce impresária Davida Belasca jeho obdiv k tomuto novému realistickému stylu.

Následovala nevyhnutelná vůle. V Rusku, abychom uvedli jen jeden příklad, konstruktivističtí umělci navrhli vysoce koncepční kostýmy, jejichž jediný vztah k oděvu spočíval v tom, že je nosili lidé.

Nakonec byly oba styly uznány za platné, což vedlo ke směsi historicky přesných nebo konceptem řízených inscenací, které pokračují v jednadvacátém století.

Současná praxe

Divadelní kostýmy jsou navrženy tak, aby podporovaly scénář. Pokud je realismus nebo historismus ústředním bodem textu, kostýmy budou přesně odrážet oblečení vhodné pro dané období nebo pro životní prostředí. Mezi příklady patří Henrik Ibsen Mistr stavitel , který vyžaduje oblečení z počátku 90. let 19. století, nebo David Storey Šatna , který požaduje uniformy a pouliční oblečení vhodné pro skupinu hráčů ragby na severu Anglie.

Jiné skripty vyžadují fantazijnější přístup. Shakespearovy Bouře musí být stanovena na ostrově, ale tento ostrov může být kdekoli na světě. Prospero a Miranda mohou obývat jakékoli časové období dohodnuté ředitelem a designovým týmem.

Vliv kostýmu na módní šaty

Zatímco filmový kostým často ovlivňuje módní oblečení, divadelní kostým téměř nikdy. Film uvidí miliony lidí po celé zemi během prvního týdne jeho uvedení. Naproti tomu průměrné divadlo na Broadwayi může ve stejném týdenním období pojmout pouze osm tisíc lidí.

Mezi koncem natáčení a uvedením filmu navíc obvykle existuje interval jednoho a více let. V tomto intervalu mohou módní časopisy a další periodika provozovat spready představující kostýmy a vytvářet poptávku zákazníků. Historicky filmová studia, výrobci, obchodní domy a společnosti vyrábějící krejčovské společnosti uzavřela partnerství s cílem propagovat jak film, tak konfekční oděvy, které film inspiroval.

Klasickým příkladem jsou šaty Letty Lynton, které nosila Joan Crawford ve stejnojmenném filmu z roku 1932. Jakmile se film otevřel, údajně se v každé cenové kategorii prodalo více než 500 000 kopií Adrianova designu. V roce 1967 byly kostýmy Theodory von Runkle pro Bonnie a Clyde zažehl trend oživovacích stylů 30. let, které byly na konci 60. let tak populární. Produkovaly kostýmy Ruth Morley pro Diane Keaton Annie Hall podobní v celých Spojených státech a Evropě na konci 70. let.

Dalším důvodem, proč může být malý vztah mezi divadelním oblečením a pouličním oblečením, je měřítko. Kostým je navržen tak, aby byl vidět ze vzdálenosti třiceti nebo čtyřiceti stop. Podrobnosti jsou přehnané, aby byly viditelné. Naproti tomu film je převážně o makrosnímcích. Filmové kostýmy musí být skutečné takovým způsobem, jaký nemohou být úspěšné divadelní kostýmy.

Existuje několik výjimek, ale jsou vzácné. Červený oblek navržený Patricií Zipprodtovou pro produkci Neila Simona v roce 1969 na Broadwayi Apartmá Plaza byl následně vyroben pro Bergdorf Goodman. V roce 2002 představila společnost Bloom-ingdale kolekci nadměrných oděvů na základě návrhů muzikálu Williama Iveyho Longa Lak na vlasy.

Publikum divadelní akce je v porovnání s počtem lidí, kteří navštěvují filmy, tak malé, že nemá velký ekonomický smysl používat divadlo jako zdroj designu. Současné oblečení pro jeviště může odrážet módní šaty, ale neovlivňuje je.

Speciální požadavky

Taneční boty vyžadují flexibilitu

Divadelní kostým je především určen pro pohyb. Průramky jsou vyříznuty výše než v masově vyráběných oděvech, aby umožnily herci zvednout ruce bez následování celého oděvu. Rozkroky jsou vyříznuty výše, aby umožňovaly kopy bez rozdělení švu.

Kostýmy musí být konstruovány tak, aby byly dostatečně silné, aby vydržely osm opotřebení týdně po celé měsíce nebo dokonce roky, s občasným čištěním nebo praním. Pokud scénář vyžaduje rychlou změnu, což znamená, že umělec provede úplnou změnu oblečení za minutu, kostým bude sestaven tak, aby změnu usnadnil. Například pro rychlou výměnu trička jsou knoflíky všity na knoflíkové dírky. Tričko je drženo uzavřené patentkami nebo suchým zipem, aby jej bylo možné umělce doslova strhnout.

Boty tanečníků musí mít dostatečně tenké podešve, aby umožnily tanečníkovi ohýbat se a ukazovat nohu. Na zakázku je losí kůže materiálem volby.

Trendy a vývoj

Divadelní kostýmy do značné míry závisí na přírodních vláknech (bavlna, len, hedvábí a vlna). Syntetika nezachází ani nezakrývá jako přírodní vlákna. To však znamená, že vývoj nových materiálů měl obrovský dopad na průmysl.

Před koncem padesátých let byly například punčochové kalhoty vyrobeny z elastické bavlny, které byly dány prověšení a taškám, nebo byly pletené a náchylné k běhání. Vynález lycry, spandexu a dalších oboustranně pružných tkanin takové problémy eliminoval. Pletené nylonové žíně lze použít k výrobě ruffů, které simulují naškrobené lněné originály, ale při praní si drží svůj tvar.

Žádná firma nevyrábí textilie výhradně pro použití v kostýmech. Trh je příliš malý. Zákazníci jsou však při objevování divadelního využití produktů určených pro jiné účely mimořádně kreativní. Například Veri-form, značka pro typ termoplastických fólií, je tkanina z umělé hmoty s otevřenou vazbou, kterou používají ortopedičtí chirurgové pro lehké odlitky. Vyrábí vynikající brnění a masky, je netoxický a snadno se s ním pracuje.

Plastová síťovina používaná k ventilaci baseballových čepic dělá nezničitelné a levné krinolíny. Klimatizaci a jiné typy pěny lze stříhat a tvarovat, aby vytvořily spodní konstrukci lehkého maskota nebo jiných kostýmů, které jsou vyšší a širší než herec v nich. Birdseed, uzavřený v kombinéze, je vynikající pro simulaci pohybu ochablých prsou.

Nejvýznamnějším vývojem v oboru za posledních dvacet let bylo nepochybně zvýšené povědomí o otázkách bezpečnosti a ochrany zdraví. Až v 70. letech 20. století návrháři i výrobci kostýmů běžně ošetřovali látky vysoce toxickými barvami, rozpouštědly a lepidly, aniž by rozuměli možným rizikům. V jednadvacátém století jsou k dispozici nejen méně toxické výrobky, ale normou jsou i bezpečnostní listy, respirátory, stříkací kabiny a další ochranná zařízení.

Zatímco materiály se stále vyvíjejí a styly kostýmního designu přicházejí a vycházejí z módy, princip zůstává konstantní. Jak napsal Robert Edmond Jones v roce 1941: Scénický kostým je výtvorem divadla. Jeho kvalita je čistě divadelní a mimo divadlo ztrácí své kouzlo najednou. Umírá, když rostlina vykořeněná zemře (str. 91).

Viz také Herci a herečky, dopad na módu; Umění a móda; Baletní kostým; Divadelní make-up.

Bibliografie

Bieber, Margaret. Dějiny řeckého a římského divadla. Princeton, N.J .: Princeton University Press, 1961.

Cheney, Sheldon. The Theatre: Three Thousand Years of Drama, Acting and Stagecraft. New York, Londýn a Toronto: Longmans, Green and Co., 1952.

Gascoine, Bamber. Světové divadlo: Ilustrovaná historie. Boston a Toronto: Little, Brown and Co., 1968.

Jones, Robert Edmond. Dramatická představivost. New York: Divadelní umění, 1941.

James Laver. Kostým v divadle. New York: Hill a Wang, 1965.

Molinari, Cesare. Divadlo v průběhu věků. New York: McGraw Hill Book Company, 1975.